QUELLE POSITION
ADOPTER :
PRIVILEGIER
LA LIBERTE, LE RESPECT DES REGLES...
A différentes périodes de l’histoire de l’art l’équilibre s’est déjà rompu et on a gratifié soit l’enthousiasme c’est-à-dire la liberté, soit les règles, en n’hésitant pas à en établir de fondamentales qui font autorité et qu’il est préférable de suivre. Ainsi, la période médiévale fut un excellent exemple de recrudescence de l’imitation en art et notamment en ce qui concerne la poésie qui devint très rigide et extrêmement codifiée.
Dans
la tradition moyenâgeuse, la peinture ainsi que la poésie sont davantage
considérées comme des sciences plutôt que comme des arts au sens actuel du
terme. Le mot art vient du grec « techné » qui désigne la technique,
son sens antique se trouve finalement respecté dans l'appréciation médiévale.
La
poésie et la peinture (1) s’enseignent et se pratiquent donc comme des techniques,
en suivant des règles précises et codifiées. Les modèles font autorité. Les
artistes de cette époque ont pour but essentiel de transmettre et de respecter
la tradition, de reproduire un idéal le plus parfaitement possible. Le métier
de peintre se rapproche en somme de l’artisanat avec ses contraintes et ses
codes. L’élève doit, dans sa création, suivre les directives du maître sans les
dépasser ni les interpréter. La démarche reste confinée dans le cadre strict de
l’imitation dans laquelle la passion, l’inspiration et l’enthousiasme,
c’est-à-dire ce qui constitue l’essence même de la création artistique, n’ont encore
aucune place.
L’art
du Moyen Age se trouve donc cantonné, quelque soit le domaine, à un style unique exempt
d’originalité notable.
La Renaissance verra la fin de la « théorie » de l’imitation et l’avènement de l’artiste considéré comme un auteur original, à part entière. C’est d’ailleurs à ce moment qu’apparaissent les signatures dans les oeuvres ; commenceront aussi les critiques contre l’imitation et la tradition, dans un certain respect toutefois des modèles classiques puisque cette période puise sa source, en particulier pour l’architecture et la sculpture, dans l’antiquité grecque et romaine.
Bien
plus tard se produit une seconde rupture. Avec la philosophie du « Sturm und Drang » du XVIIIe
siècle, les critères de référence deviennent plus
actuels, parfois radicalement différents et même en
opposition à ceux jusqu'alors admis. Ce mouvement pré-romantique préconise en
effet un retour à la nature avec un
rejet de tout ce qui peut imposer des limites, et en premier lieu, il refuse
les règles contraignantes qui ne font que freiner l’inspiration. En d’autres
termes, pour ce courant la règle serait de ne suivre aucune règle sauf celle de
sa propre nature.
Ainsi
l’artiste ou l’auteur doit se laisser guider, non par la raison qui lui dicte
des règles ou des lois plus ou moins établies, mais par sa sensibilité personnelle, son instinct
créateur et ses émotions. On rejoint de ce fait sur certains points les préoccupations futures du
« Blaue Reiter », de l’abstraction naissante et, dans un
ordre plus global, déjà l’esprit contestataire de Mai 68 où il était interdit d’interdire.
Un
autre élément notable et nouveau est introduit dans la théorie du « Sturm und Drang »,
celui de l’originalité qui provient de la personnalité même de la création,
cette dernière devant en outre être sincère et exprimer obligatoirement
une forme d’inédit et
d’innovation.
Ce mouvement s’élève donc contre les
contraintes, les règles classiques, en prônant la
conquête de la liberté dans son sens plein.
Cette ferme volonté de rejeter
quasi systématiquement les anciens critères prend la forme d’une rébellion, d’une sorte
de crise de jeunesse et dès
lors, on peut tout naturellement considérer le « Sturm und Drang »
comme précurseur d'un nouvel état d'esprit et de la modernité à venir.
1) Au Moyen-Age, l'oeuvre d'art s'établit dans un contrat d'ordre
artisanal et commercial. Son prix se définit en rapport des matières utilisées -
bois, or, couleurs - et du temps passé à la réaliser. Lorenzo Ghiberti,
en 1407, signe un contrat où est stipulé que : "Le Maître doit travailler
personnellement tous les jours ouvrables comme tout salarié, et les journées d'absence seront déduites de son traitement " . A la Renaissance, va s'ajouter à
la valeur de l'oeuvre réalisée, un supplément d'âme. La signature de l'artiste
entreprend son autonomie et acquiert toute sa valeur.
L'enseignement des Beaux-Arts en Europe est une tradition ancienne et
prestigieuse. Tout commence dès le Moyen-Age, lorsque les maîtres-peintres
transmettent leur savoir à des apprentis. Mais, en 1648, un groupe de jeunes
artistes rompt avec cette tradition qui, jusqu'alors, les associait à des
artisans, et fonde l'Académie royale de peinture et de sculpture. La première
institution française concernant les Beaux-Arts est née. Considéré comme
révolutionnaire à l'époque, ce nouvel établissement s'inspire néanmoins des
modèles italiens existants.
L'un des buts principaux de l'institution sera de délivrer un enseignement
libre et gratuit. Grâce à cet esprit démocratique, l'école devient, en principe, accessible à
des élèves de toutes catégories sociales. Une série de concours permettra une
progression dans laquelle talent et savoir-faire entrent en jeu. Il s'agit là
d'un des grands principes sur lequel se développera la future école des Beaux-Arts.
page 5 
- 4 -